Zinada’s NAMI traces historical trauma during Tanzwerkstatt Europa

12.08.2026

Korea, 1950. 전쟁 – Korean for "war" – was the three-year conflict between North and South Korea that ended on 27 July 1953 and left four million victims on all sides.

Why does a war from the last century matter today? It left behind traumatized people, and the shadow of that violence is still present, and is visible in NAMI, the performance shown during the dance festival Tanzwerkstatt Europa in Munich.

NAMI is about rewriting the history of HER story by breaking patterns to move forward toward a new coexistence in the future.

At the Schwere-Reiter Theatre in Munich, on 6 and 7 August 2026, choreographer and dancer Susanne Schneider leads the introduction, inviting the audience to lie down on the floor and relax for a moment: listen to your body and breathe. Breath is a symbol for stamina and endurance. After a while you calm down; then the door to the stage opens, and the audience enters the space where the performance will take place.

You see signs on the floor. Colored paper shapes symbolize body and mind, which can be folded and unfolded to discover patterns and disorders. You see green, red, blue, and yellow stripes, arrows that seem to show directions but could just as easily be Korean characters. You see two women: Jin Lee, a young dancer and choreographer, and Kyung Mee Lee, an elder female performer. Daughter and mother: they walk around the room; they ignore each other; their relationship is distanced, or is it Korean culture that does not allow too many emotions? We don't know yet.

In modern Korean, NA means "I/me" and MI means “beauty”; MI is also Kyung Mee Lee’s nickname: so, the title of this performance can also be interpreted as “me and my mother”. However, it refers to three generations of women: the Korean War of 1950 (6.25) and his impact on Jin Lee’s grandmother, the violence a mother inflicts on her own child, and the legacy she carries into raising and loving her own daughter between pain, depression, rage, and care. In the very end, it's about freedom: Kyung Mee Lee was mistreated by her mother, Jin Lee's grandmother, a burden that made it difficult for her to love herself and accept her own daughter as she is. Being hurt by your own family; the performance is about how to break the logic and chain of violence by accepting and trusting both yourself and your child as strong characters.

NAMI is about the sadness of not being supported, of being rejected, of missed occasions. It is about being misunderstood; about the continuous dialogue between education and freedom, between authority, power, and force and their antagonist, freedom; about letting go and holding on.

The daughter straightens her arm and invites the mother to move with her, in her direction. The mother does the same, but her arm extends the opposite way, as if she refuses to be controlled by her daughter. Finally, both begin to follow each other, one arm's length at a time and then vice versa, and this might be the most telling moment of the show, because this simple shift of arms, hands, and direction demonstrates the care and trust for and in each other and opens a path toward the future.

This Korean mother-daughter pair invites us to reflect on our own mother-child relationship and to show emotion. This is intercultural exchange at its best. But it is even more: it reflects on our relationship to women's bodies as givers of birth, and on the vulnerability of both men and women. Birth hurts, and so does family.

At the end of tears, traumatic experiences, and several episodes of re-traumatization stands – literally – a huge sheet of paper unfolded on the theatre's wall, carrying the years beginning in 1962, Korean characters, photos of mother and daughter, handwritten emotional status descriptions on stripes that form waves, and the final word: FREEDOM.

A must see. A must repeat. Be excited to learn more about Zinada.

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Landschaftsstipendium der Fondazione Benetton

05.06.2026

Die Fondazione Benetton Studi Ricerche vergibt jährlich Landschaftsstipendien zur Förderung des akademischen Nachwuchses in den Forschungsdisziplinen Landschafts- und Gartenkultur sowie Ortspflege. Thematisch sind die Stipendien dem kulturellen Umfeld und Tätigkeitsfeld der drei Persönlichkeiten zugeordnet, die für die wissenschaftliche Arbeit der Stiftung seit ihrer Gründung richtungsweisend sind:

    •    Sven-Ingvar Andersson (Landschaftsplanung)

    •    Rosario Assunto (Landschaftstheorien und -politik)

    •    Ippolito Pizzetti (Natur und Garten)

Für den zwölften Zyklus 2026/2027 ist die Vergabe von zwei Aufenthaltsstipendien für jeweils sechs Monate in einer der drei Disziplinen vorgesehen, die zur Auswahl der Kandidat:innen stehen. Bevorzugt werden Vorschläge mit originellen, innovativen Inhalten, die der wissenschaftlichen Ausrichtung der Stiftung entsprechen. Jedes Stipendium ist mit € 10.000,00 (brutto) dotiert. Die Dauer der Aufenthaltsstipendien beträgt einmalig sechs Monate und läuft vom 15. Januar 2027 bis zum 15. Juli 2027. Die Ausschreibung richtet sich an italienische und ausländische Hochschulabsolvent:innen (MA) sowie Postgraduierte, die am 31. August 2026 das 40. Lebensjahr noch nicht vollendet haben. Forschungsstipendiat:innen oder solche, die eine öffentliche oder private Stelle innehaben und einer regelmäßigen Berufstätigkeit nachgehen, sind von der Teilnahme ausgeschlossen. Voraussetzung sind gute Kenntnisse der italienischen Sprache in Wort und Schrift. Die Kandidat:innen werden ausnahmslos anhand ihrer Bewerbungsunterlagen ausgewählt. Die Auswahl der Stipendiat:innen erfolgt durch eine interne Kommission, die eigens hierzu von der Stiftung eingesetzt wird. Die Kommission behält sich das Recht vor, Kandidat:innen zu Vorstellungsgesprächen einzuladen.

Die Bewerbungsfrist endet am Montag, den 31. August 2026, 12 Uhr mittags.

Die vollständigen Ausschreibungsunterlagen findet ihr hier.

Fraumage an Ingeborg Bachmann

06.05.2026

Weltkino

Jemand, der einmal ich war

Dokumentarfilm (102 min) von Regina Schilling

Kamera: Johann Feindt 

Schnitt: Carina Mergens

Darstellerin: Sandra Hüller

»Und immer heißt einer Hans«, sagt Undine in Ingeborg Bachmanns Das dreißigste Jahr. Das Übliche. 

»Ich musste das weibliche Ich ersticken, um als männliches Ich zu überleben«, sagt Ingeborg Bachmann in Regina Schillings Film Jemand, der einmal ich war. Damit sie unter den Literaten der Gruppe 47 Akzeptanz erfahren durfte, möchte ich nach der Filmvorführung hinzufügen.

Sieh nur, wie diese männlichen Blicke Unverständnis ausdrücken, als sie, als Ingeborg, als die Bachmann endlich ausgezeichnet wird. Das Archivmaterial spricht Bände verunheimlichter Frauengeschichte. Wenn Ingeborg in Regina Schillings Dokumentarfilm in die Kamera blickt, erkenne ich das erste Mal eine Facette ihres Wesens, die mir bislang verborgen geblieben war: ihre Ambiguität, ihre Nonbinarität in der damaligen, der ihrigen, der irrigen Zeit, in der es noch keine Benennung dafür gab. In einer der Montagen aus dem Archivmaterial erzählt ein Literaturkritiker auf die Frage, warum es in der deutschen Literaturlandschaft zwischen Droste-Hülshoff und Bachmann höchstens 13 weibliche Schriftsteller gäbe, etwas davon, dass der Beruf des Schriftstellers »ungewöhnlich für Frauen ist, die üblicherweise mehr für den Haushalt geeignet sind.« 

1962 behandeln die Ärzte Ingeborg Bachmann als alte Frau, als eine in den Wechseljahren, das Übliche. Mit 36 Jahren stellt man ihr bereits die Weichen für das Abstellgleis. Das nennt man Misogynie auf hohem Niveau. Das Übliche.

Regina Schilling öffnet den Blick für das Verborgene, in die Abgründe, in die römische Schmerz(g)lücke, in das Unvermögen des Zusammenlebens zweier Schriftsteller, in die Eingeweide, in die endgültige Abtötung des Weiblichen durch die Hysterektomie nach der Trennung von Max Frisch. Die Entfernung von Ingeborgs Gebärmutter führt zum Triumph des Männlichen. 

Bei der Weltpremiere im Münchner Deutschen Theater im Rahmen des Dokumentarfilmfestivals nannten die Regisseurin und die Moderatorin Ingeborg eine starke Frau. Für mich bleibt sie nach dem Dokumentarfilm Jemand, der einmal ich war nicht nur semantisch ein Mann, der seine weibliche Seite verleugnen musste, um unter Männern bestehen zu können. ER steckt schließlich schon im Familiennamen Bachmann. In manchen Kameraeinstellungen rollt diese Person die Augen derart verzückt gen Himmel, dass sie mich an ekstatische  Heiligendarstellungen erinnert. 

Sandra Hüller mimt diese Ingeborg mit ebenbürtiger Ambivalenz.  In diesen Tagen läuft der Kinofilm Rose an, in dem sie einen Mann spielt: die hohe Kunst der Metamorphose einer Schauspielerin in der Gegenwart. Ingeborg Bachmann vermochte durch das Schreiben der ihr übergestülpten Hülle zu entfliehen. Sandra Hüller streift nach neun Drehtagen in Rom diese Rolle wieder ab und gleitet in die nächste. Das ist Professionalität.

Nach der Filmpremiere im Deutschen Theater geleiteten frische Blutstropfen auf den marmorierten Steintreppen die Zuschauer*innen in das Foyer. Kein Theaterblut. Hier hatte eine Medusa Aderlass begangen. Das Sinnbild der Fruchtbarkeit liess Blut perlen, das jemand - womöglich das Sujet - zum Überschäumen gebracht hatte.

Und ich dachte an Florentina Holzinger, die indes als Glockenschlägel vor dem österreichischen Pavillon auf der Biennale in Venedig kopfüber baumelte und die gestundete Zeit in der Vertikalen anschlug.

Heute wäre Ingeborg Bachmann 100 Jahre alt geworden. Ihre  Prosa und Lyrik sind von unverminderter Aktualität und literarischer Qualität. Der Bachmann-Wettbewerb in Klagenfurt hat ebenfalls heute begonnen. Gespanntes Warten auf Weltliteratur. Auch Regina Schillings Film über Ingeborg Bachmann läuft an diesem 6. Mail 2026  in den Kinos an.  Autor*innenschaft  in Bildern erzählt. Dank sei dem Weltkino-Verleih. 

©sbf2026

FLOW or the physics of letting go

07.11.2025

Embodied language meets pink paper—
a smooth takeoff into the flow, enhanced by the whispering wind.

Occasionally, severe body instructions cross our path. Most of them sound strange, like a military command to move horizontally, two by two, or in three-four time. Splitting like a cell, or lining up in a Fibonacci sequence. Climbing walls or navigating other kinds of obstacles.

Instructions for a mind-body.
Rules that keep—not the world—but at least our body in motion. At best, in connection and interaction with another body: the body of a group, or even the body of an object.

And on very rare occasions, an air current raises a sheet of paper like a whirl of leaves, dispelling every notion of bones, muscles, and flesh under pressure. The bias of the tissue is not blushing, but rosy. Pink. A rectangle underground, roughly two feet by one and a half, signed by a cascade of black letters: directions, bends, loops, knots. Words and expressions that echo in your limbic system as a reader.

Suddenly, a voice asks from the staircase:
“Do you trust me?”
One floor up, a woman with a pink strand of hair grasps the rosy paper with both hands and replies,
“Yes, I do.”
“Let it fall,” says the voice.

She opens her palms. The pink paper makes a nosedive, then begins to rise, driven by invisible forces. Grammage forms waves. Movement enrolls in paper and carries the sheet downstairs, step by step, continuously reshaped by the architecture of the wooden staircase.

In a kind of slow motion, the pink paper adapts its density to every single unevenness. The tissue snuggles against the fabric of the building effortless fluidity in the middle of the stairwell. A whistle, like a whispering gust, beats the rhythm of this song. Waved like seagrass by the wind, the paper folds and unfolds in eternal formations. It exudes a scent of freshly melting snow at a salty seaside, mixed with vetiver and rosemary. An evaporation of randomly moving particles.

The sheet follows its own rules until it makes the grade and spins at the half landing. There, it reaches out toward a pile of 1,000 sheets: a multiplicity of available body movements, delicate and fluently articulated.

Observe the landscape in the space: a random performance of a vivid paper sheet at the opening of The Future Body in Recent Past exhibition at Munich's Brandhorst Museum in 2022—moving bodies.

Human bodies are based on different flows: the lymph flow, the blood flow, and the information flow within the limbic system. Sometimes a body flows outward. Sometimes two bodies flow into each other. Eventually, they pour out into water as pulsing organisms until they evaporate.

Those moments of complete immersion and awareness: that’s what creates flow.

“Could you feel it?” the voice asks.
And the woman standing on the floor below nods.
She unwraps herself from an imaginary sheet of paper.
Her pink strand of hair forms an ampersand—
and now the flow is yours.

Published on Spotlight@adancemag